© Mark Schulze Steinen

Eine Farce voller Absurdität

Mehr muss man eigentlich nicht wissen, um die Vaudeville-Komödie von Eugène Labiche in der Vertonung von Nino Rota zu verstehen. In dem Sinne ist es eigentlich auch gar keine Komödie, sondern – wie schon der Titel verrät – eine Farce, die absurder kaum sein könnte. Das Schönste ist: Trotzdem macht sie Spaß, weitgehend auch in der aus Graz importierten Dresdner Lesart von Bernd Mottl, der die temporeich wechselnde Szenerie an der Semperoper in eine Stadtlandschaft voller überdimensionaler Geschenkkartons ganz in Schwarz-Weiß (Friedrich Eggert) verpackt – nicht ganz frei von Altherrenwitz, aber doch sehr vergnüglich und im besten Sinne des Wortes eskapistisch. Spätestens am Ende, wenn das Brautpaar – gerahmt von der Hutschachtel letzte Töne singend – im Bühnenboden versinkt, sind auch die Skeptiker der heiteren Muse verfallen.

© Mark Schulze Steinen

Lautmalerische Intermezzi, große Arien, irrwitzige Chöre und geniestreichartige Ensembles

Denn nein: Es geht mal nicht um videovertrailerte dramatische Weltuntergänge und schmerzvolle Liebestode, auch nicht um Umweltschäden oder soziale Katastrophen – mal davon abgesehen, dass die Figuren offensichtlich zu viel Zeit für Nichtigkeiten haben und einander nicht zuhören können. Es ist vielmehr ein Porträt recht holzschnittartiger Charaktere, das sich vor allem durch Nino Rotas Musik zwischen lautmalerischen Intermezzi, großen Arien mit ironischen Koloraturen, irrwitzigen Chören und geniestreichartigen Ensembles vom Niveau einer durchschnittlichen Operette abhebt. Der Filmmusikmillionär sah seine eigenen Ambitionen eher im Musiktheater verwirklicht, schrieb Sinfonien und erst in neuerer Zeit wiederentdeckte Kammermusik, da man sich des Neoklassizismus nicht mehr schämt wie zur Entstehung des Werks nach Ende des Zweiten Weltkrieges.

© Mark Schulze Steinen

Nino Rota zitiert, verschmilzt, variiert und karikiert

Den eigentlichen Spaß treibt der Komponist selbst mit zahlreichen Anleihen zwischen Puccinis Weltschmerz-Arien, Verdis Rumtata-Dreivierteltakt und Schostakowitschs „Nase“-Ironie. Der „Hut“ geht um in der Musikgeschichte, und jeder wirft etwas rein. Das rührt Rota aber nicht einfach zusammen, sondern macht einen kurzweiligen Vierakter daraus, indem er zitiert, verschmilzt, variiert, karikiert. An den zahllosen Anspielungen hat auch die Sächsische Staatskapelle unter Daniele Squeo ihren Spaß. Wer – auch als Mitglied dieses hehren Orchesters – das ganze Repertoire kennt, mag viele Aha-Erlebnisse haben, aber wer nicht, genießt genauso seine Freude. Denn Rotas Melodien lassen auch abseits des cineastischen Erfolgs ihre Ohrwurmqualitäten nicht vermissen, bleiben fast ausnahmslos tonal und beweisen vor allem in den großen Finales die Meisterschaft des Toscanini-Ziehkinds.

© Mark Schulze Steinen

Die Solistenschar hat Spaß am Spaß

Ihren nicht ganz mühelosen Spaß am Spaß beweist auch die Solistenschar, angeführt von der ganz großartigen Rosalie Cid als Braut Elena, deren irrwitzige Partie irgendwo zwischen Bellini und Rossini stimmlich alles abverlangt, was eine Koloratursopranistin zu bieten hat. Piotr Buszewski als ihr frisch angetrauter Fadinard bleibt demgegenüber etwas undifferenziert und braucht alle Kraft, um Tempo und Wandelbarkeit seiner Partie – vor allem in der Höhe – abrufen zu können. Ganz buffo-baritonal glänzt indes Alexander Grassauer als Schwiegervater Nonancourt in einer echten Paraderolle, wie sie Jacques Offenbach nicht besser hätte erfinden können.

© Mark Schulze Steinen

Das Publikum wird diese Produktion lieben

Ein richtig schöner Abend könnte es werden, wenn der Staatsopernchor seiner von der Regie auch individuell ausdifferenzierten Spielfreude nicht die Intonation und Metrik unterordnen würde. Das ist besonders schade im eigentlich großartigen an Weber wie Wagner geschulten Frauenchor der Hutnäherinnen, denn nicht nur dort muss der Dirigent öfter mal die alles andere als einfache Partitur zwischen Bühne und Graben mit weit ausgreifender Stabgewalt zusammenzwingen. So bleiben durchaus ein paar Fragezeichen stehen – aber doch ein Lächeln, das bis in die Nacht hinein trägt. Das Publikum wird’s lieben.

Semperoper Dresden
Rota: Der Florentiner Hut

Daniele Squeo (Leitung), Bernd Mottl (Regie), Friedrich Eggert (Bühne & Licht), Alfred Mayerhofer (Kostüme), Piotr Buszewski (Fadinard), Alexander Grassauer (Nonancourt), Maire Therese Carmack (Baronin de Champigny), Rosalia Cid (Elena), Neven Crnić (Beaupertuis), Staatsopernchor, Sächsische Staatskapelle Dresden

Theatermacher und Schauspieler Steef de Jong belebt das Operettenspätwerk als sein eigener Impresario, Bühnenbildner und Regisseur mittels eines raffiniert konstruierten, auf die Bühne projizierten Comicstrips. Zentral ist dabei ein Eingriff in die Figur der Sonja: Sie erscheint als Bühnenname des Dragkünstlers Katuschukoff, in den sich der Zarewitsch verliebt. Dieser wiederum ist nicht nur – wie in der Vorlage – der Frauenwelt entfremdet, sondern lebt hier als homosexueller Fürst eine beinahe historisch anmutende europäische Normalität.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Bühne und Projektion im stetigen Fluss

De Jong entfaltet die Handlung auf zwei Ebenen. Was der Zarewitsch empfindet und durchlebt – die Begegnung mit Katuschukoff, die intriganten Eingriffe des Onkels –, erscheint im Bildprojektor. David Kerber (Zarewitsch) und Hedwig Ritter (Sonja/Katuschukoff) verleihen ihren Figuren vor allem die Stimme; die Emotionen materialisieren sich als Zeichnung. Demgegenüber stehen Martin Enenkel und Juliette Khalil als Iwan und Mascha in klassischem kernigem Bühnen- und Bürgerspiel mit Slapstick, das den Abend erdet. Das Szenenkolorit vom Zarenpalast über den Wolgastrand bis nach Neapel geht dabei fließend ineinander über.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Mit welcher Liebe zum Detail de Jong seine komplexen Szenenbücher entworfen hat, wie virtuos er mit Unterstützung des Ensembles Seiten faltet, Streifen zieht, Elemente auf- und zuklappt, ist ebenso bemerkenswert wie die Ausdruckskraft weniger gezeichneter Linien. Ein Augenrollen, ein verschmitztes Lächeln, eine schwer fallende Träne – die Palette der Emotionen ist erstaunlich weit. Und wenn der Operettenschmäh gefragt ist, wird er ohne Zögern geliefert: Mascha trifft Iwan mit der Tasche, Kokosnussschalen imitieren Pferdehufe. Auch das Papier hält so manchen Schmunzler bereit, etwa einen orientalisch gefärbten Tanz Sonjas, den Säbelstreich gegen die Champagnerflasche oder wenn das Chorensemble mit Zeichenbüchern eine vorbeifahrende Zugkette bildet. Diese heitere Vielfalt trägt mühelos durch den rund hundertminütigen Abend.

Ist die Zukunft der Operette nur noch queer?

Warum de Jong den konzeptionelle Akzent – der Zarewitsch als homosexueller Fürstensohn – hier zusätzlich setzt, mag man sich angesichts gegenwärtiger Operettenpraxis, die mittlerweile ohne queere Lesart nicht mehr auszukommen scheint, durchaus fragen. Zwingend erscheint er nicht. Doch bleibt der Eingriff dezent: Katuschukoff begegnet dem Zarewitsch vor allem in intimen Momenten, und die Setzung fügt sich ohne didaktische Belehrungen in das Gesamtbild.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Gschmackiger Lehár

Musikalisch präsentiert sich die Volksoper bodenständig und nahbar. Alfred Eschwé macht den trockenen Raumklang zur Tugend und formt mit gezielt eingesetzten Zutaten einen kraftvollen, wenn auch nicht üppigen Lehár-Fond. Prägend sind die süßlich zugespitzte, dem Csárdás verwandte Solovioline sowie das markante Pochen von Schlagwerk und Pauken; fein gesetzte Harfenfarben und Balalaika-Klänge vermeiden jede Spur von ausgewalztem Kitsch.

Haustenor David Kerber gibt dem Zarensohn eine unprätentiöse, klare Kontur, ohne ins Sentimentale zu gleiten (was bei Lehárs in Musik gegossenem Operettenernst – dem Wolgalied – durchaus schnell passieren kann). Hedwig Ritter setzt als Katuschukoff dynamisch stärkere Akzente und wird dafür zu Recht gefeiert. In der Phrasierung bleiben beide bisweilen zurückhaltend; gerade in den Gassenhauern dürfte der Text deutlicher konturiert sein. Enenkel und Khalil hingegen überzeugen als komisches Dienerpaar mit Musicalaffinität und selbstironischem Überschwang.

Am Ende ist es jedoch de Jongs konsequent durchgehaltener, ressourcenschonender Regieansatz fernab üppiger Ausstattung, der den Abend prägt – und erklärt, warum nicht wenige Zuschauer schon früh zu stehenden Ovationen ansetzen.

Volksoper Wien
Lehár: Der Zarewitsch

Alfred Eschwé (Leitung), Steef de Jong (Regie, Werkbearbeitung, Bühne & Kostüme), Wie Ken Liao (Choreografie), Alex Brok (Licht), Holger Kristen (Chor), David Kerber, Hedwig Ritter, Martin Enenkel, Juliette Khalil, Stefan Tanzer, Chor und Orchester der Volksoper Wien