Theatermacher und Schauspieler Steef de Jong belebt das Operettenspätwerk als sein eigener Impresario, Bühnenbildner und Regisseur mittels eines raffiniert konstruierten, auf die Bühne projizierten Comicstrips. Zentral ist dabei ein Eingriff in die Figur der Sonja: Sie erscheint als Bühnenname des Dragkünstlers Katuschukoff, in den sich der Zarewitsch verliebt. Dieser wiederum ist nicht nur – wie in der Vorlage – der Frauenwelt entfremdet, sondern lebt hier als homosexueller Fürst eine beinahe historisch anmutende europäische Normalität.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Bühne und Projektion im stetigen Fluss

De Jong entfaltet die Handlung auf zwei Ebenen. Was der Zarewitsch empfindet und durchlebt – die Begegnung mit Katuschukoff, die intriganten Eingriffe des Onkels –, erscheint im Bildprojektor. David Kerber (Zarewitsch) und Hedwig Ritter (Sonja/Katuschukoff) verleihen ihren Figuren vor allem die Stimme; die Emotionen materialisieren sich als Zeichnung. Demgegenüber stehen Martin Enenkel und Juliette Khalil als Iwan und Mascha in klassischem kernigem Bühnen- und Bürgerspiel mit Slapstick, das den Abend erdet. Das Szenenkolorit vom Zarenpalast über den Wolgastrand bis nach Neapel geht dabei fließend ineinander über.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Mit welcher Liebe zum Detail de Jong seine komplexen Szenenbücher entworfen hat, wie virtuos er mit Unterstützung des Ensembles Seiten faltet, Streifen zieht, Elemente auf- und zuklappt, ist ebenso bemerkenswert wie die Ausdruckskraft weniger gezeichneter Linien. Ein Augenrollen, ein verschmitztes Lächeln, eine schwer fallende Träne – die Palette der Emotionen ist erstaunlich weit. Und wenn der Operettenschmäh gefragt ist, wird er ohne Zögern geliefert: Mascha trifft Iwan mit der Tasche, Kokosnussschalen imitieren Pferdehufe. Auch das Papier hält so manchen Schmunzler bereit, etwa einen orientalisch gefärbten Tanz Sonjas, den Säbelstreich gegen die Champagnerflasche oder wenn das Chorensemble mit Zeichenbüchern eine vorbeifahrende Zugkette bildet. Diese heitere Vielfalt trägt mühelos durch den rund hundertminütigen Abend.

Ist die Zukunft der Operette nur noch queer?

Warum de Jong den konzeptionelle Akzent – der Zarewitsch als homosexueller Fürstensohn – hier zusätzlich setzt, mag man sich angesichts gegenwärtiger Operettenpraxis, die mittlerweile ohne queere Lesart nicht mehr auszukommen scheint, durchaus fragen. Zwingend erscheint er nicht. Doch bleibt der Eingriff dezent: Katuschukoff begegnet dem Zarewitsch vor allem in intimen Momenten, und die Setzung fügt sich ohne didaktische Belehrungen in das Gesamtbild.

© Barbara Pálffy/Volksoper Wien

Gschmackiger Lehár

Musikalisch präsentiert sich die Volksoper bodenständig und nahbar. Alfred Eschwé macht den trockenen Raumklang zur Tugend und formt mit gezielt eingesetzten Zutaten einen kraftvollen, wenn auch nicht üppigen Lehár-Fond. Prägend sind die süßlich zugespitzte, dem Csárdás verwandte Solovioline sowie das markante Pochen von Schlagwerk und Pauken; fein gesetzte Harfenfarben und Balalaika-Klänge vermeiden jede Spur von ausgewalztem Kitsch.

Haustenor David Kerber gibt dem Zarensohn eine unprätentiöse, klare Kontur, ohne ins Sentimentale zu gleiten (was bei Lehárs in Musik gegossenem Operettenernst – dem Wolgalied – durchaus schnell passieren kann). Hedwig Ritter setzt als Katuschukoff dynamisch stärkere Akzente und wird dafür zu Recht gefeiert. In der Phrasierung bleiben beide bisweilen zurückhaltend; gerade in den Gassenhauern dürfte der Text deutlicher konturiert sein. Enenkel und Khalil hingegen überzeugen als komisches Dienerpaar mit Musicalaffinität und selbstironischem Überschwang.

Am Ende ist es jedoch de Jongs konsequent durchgehaltener, ressourcenschonender Regieansatz fernab üppiger Ausstattung, der den Abend prägt – und erklärt, warum nicht wenige Zuschauer schon früh zu stehenden Ovationen ansetzen.

Volksoper Wien
Lehár: Der Zarewitsch

Alfred Eschwé (Leitung), Steef de Jong (Regie, Werkbearbeitung, Bühne & Kostüme), Wie Ken Liao (Choreografie), Alex Brok (Licht), Holger Kristen (Chor), David Kerber, Hedwig Ritter, Martin Enenkel, Juliette Khalil, Stefan Tanzer, Chor und Orchester der Volksoper Wien

Am Samstagabend feierte an der Oper Graz Rameaus Tragédie en musique „Castor et Pollux“ in der straffen Zweitfassung von 1754 Premiere. Regisseurin Nanine Linning deutet die mythischen Weiten Spartas in eine nicht minder entvölkerte Küstenlandschaft um, aus der sich vereinzelte karge Felsen erheben. Eine Videowand im Bühnenhintergrund (Bühne: Van Veen & Mus) und verspiegelte Seitenflächen potenzieren die Wirkung dieser schier grenzenlosen Leere ressourcenschonend und wirkungsvoll. Körpereinsatz wird zur eigentlichen Requisite, es scheint, als stände – oder schwämme – selbst das vollbesetzte Ensemble mitsamt Solisten einsam auf weiter Flur. Es wirkt, als schwebe man über allen Wolken.

© Werner Kmetitsch/Oper Graz

Kostüme erschließen sich mitsamt Bühnenbild im Verlauf der Oper

Hier blickt nun auch der sterbliche Castor seinem Tod entgegen. Wie alle Figuren rudert er durch seine Sagenwelt; als Sterblicher stirbt der heldenhafte Krieger auf dem Schlachtfeld, sehr zum Leid seiner Geliebten Télaïre. Die visuelle Leere wird nun zur schmerzlichen Seelenleere. Sein unsterblicher Bruder Pollux, ebenfalls in Télaïre verliebt, weiß um die Aussichtslosigkeit seiner Gefühle. Die Konsequenz ist unausweichlich: Pollux steigt in die Unterwelt hinab, um seine Unsterblichkeit für Castor hinzugeben – und die Bühne, nun mehr ein Aquarium, muss ein paar Ebenen abtauchen.

Passend dazu die von Irina Shaposhnikova gestalteten Kostüme, deren Latexflächen den Figuren eine wasserabweisende, zugleich künstlich schimmernde Aura verleihen. Wenn die letzte Luftblase aus Castors Körper entweicht, beginnt das Unterwasserabenteuer. Die Unterwelt gewinnt durch diffuses Licht, grünlich flirrende Biolumineszenz und mineralisch anmutendes Sprudeln eine eigentümliche, enorm suggestive Atmosphäre. Chor und Tänzer, zuvor noch Krieger, erscheinen nun als dämonische Wächter des Hades oder als selige Seelen im Elysium.

Nanine Linning gestaltet hier resümierend einen passenden Rahmen, der den Fokus auf die Interaktion der Figuren untereinander lenkt. Die viel Platz einnehmenden Kommentare des Chors, die fürs Französische so essentiellen handlungsunterbrechenden Tanzdivertissements werden durch die fluide Gestik sinnvoll überbrückt, auch wenn diese manchmal sehr affektiert und sphärisch entrückt wirken. Schließlich erkennt Jupiter den Edelmut Pollux’, gewährt – als Deus ex machina – beiden Brüdern die Unsterblichkeit und erhebt sie als Sternbild der Zwillinge in den Zodiak.

© Wer

Weiche wellige Orchestersprache

So wässrig das Bühnengeschehen anmutet, so weich und geschmeidig entfaltet sich Bernhard Forcks musikalische Lesart. Der im Barockrepertoire versierte Dirigent modelliert weit gespannte Melodiebögen, die sich nahtlos in Rameaus ohnehin lyrische Tonsprache und das auf seelischen Nihilismus zielende Regiekonzept fügen. Gewiss, ein paar schärfer zugespitzte dramatische Akzente wären denkbar – zwingend sind sie nicht. Von besonderem Reiz sind die wehmütig kühlen Klangfarben der beiden Flötistinnen der Grazer Philharmoniker, deren dunkle Tiefe gleichermaßen Trauer wie melancholische Freude evoziert: beim Tod Castors ebenso wie in der Vereinigung mit Télaïre.

Sängerisch erweist sich die Produktion als geschlossene Ensembleleistung. Nikita Ivasechko gestaltet seinen Pollux mit breit geführter, natürlich wirkender Stimmgewalt und einer mitleidsvollen, nie sentimentalen Brüderlichkeit. Sébastian Monti hingegen, als einziger Gast des Abends, bleibt als Castor etwas blasser: Dem Haute-Contre, jenem spezifischen Klangideal der Epoche, fehlt es hier an dynamischer Spannweite gegenüber dem baritonal grundierten Gegenpart.

© Werner Kmetitsch/Oper Graz

Kleinere Rollen mit großer Wirkung

Sofia Vinnik überzeugt als Phébé mit wandlungsfähiger Klangpalette und der Fähigkeit, widersprüchliche Affekte – aufrichtige Liebe wie deren Umschlag in Intrige – differenziert auszuleuchten, ohne in soprangrelle Ekstase zu verfallen – ein absoluter Vorzug aller Mezzosopranistinnen. Am Ende bleibt ihr nur die bittere Einsicht, Pollux nicht von seinem Opfergang abhalten zu können.

Eindrucksvoll, wenn auch kurz, sind die Auftritte von Daeho Kim als Jupiter mit feiner französischer Diktion sowie Jianwei Liu als „Ombre heureuse“. Letzterer wärmt mit süßen, leuchtenden Tenortönen Publikum wie Unterwelt und lässt selbst dem Dasein im Hades lichte Momente abgewinnen. In dieses fragile Glück stimmt schließlich auch der präzise einstudierte Chor ein, der zwischen Schwimmen, Kämpfen, Tauchen und Leiden unermüdlich am Geschehen teilhat und diese Produktion von „Castor et Pollux“ mit bewundernswerter Präsenz formt.

Oper Graz
Rameau: Castor et Pollux

Bernhard Forck (Leitung), Nanine Linning (Regie), Van Veen & Mus (Bühne & Video), Irina Shaposhnikova (Kostüme), Sebastian Alphons (Licht), Johannes Köhler (Chor), Sébastian Monti, Nikita Ivasechko, Sieglinde Feldhofer, Sofia Vinnik, Daeho Kim, Franz Gürtelschmied, Will Frost, Marlin Miller, Ekaterina Solunya, Jianwei Liu, Chor der Oper Graz, Grazer Philharmoniker